La fulminante

La fulminante

La artista colombiana Nidia Granados nos muestra un personaje muy "fulminante" que por medio de acciones performaticas, transmite un mensaje critico, denunciante de las dinámicas de un estado geográfico lleno de horror y terror.

Se toman elementos muy comunes de la imagen publicitaria como lo es la pornografía, la desnudez, la música popular del bombardeo de la FM y se resignifica, toma otras direcciones muy políticas y denunciantes (condición primaria) y se juega con la metáfora de la luz de la sabiduría conducida en nuestros tiempos por la luz que queda, la del televisor.

Para más información: www.lafulminante.com

SOBRE EL DIBUJO Y LA FORMACIÒN BASICA DEL ARTISTA ENTRE LOS SIGLOS XIII Y XVI.

UNIVERSIDAD DE PAMPLONA

FACULTAD DE ARTES Y HUMANIDADES

Historia de las Manifestaciones Artísticas III.

Sesión lunes 5 de septiembre.

En las colecciones de grafica europea repartidas por todo el mundo se conserva un volumen de hojas con dibujos que probablemente supere a la suma de todas las pinturas, esculturas y monumentos arquitectónicos de la era cristiana. Es tan enorme, que inmediatamente se piensa que representa toda la historia del dibujo posterior a la época clásica. En realidad, lo dice todo sobre las practicas seguidas en el dibujo de los últimos cinco siglos, pero, por el contrario, nada sobre las usadas durante la Edad Media. Ello no se debe tanto al hecho de que los fondos de dibujos que datan de la Edad Media forman una ínfima minoría si los comparamos con los de la Edad Moderna, sino más bien a que en esa minoría faltan precisamente ejemplares que representen las categorías de dibujo más importantes. Las hojas de papel y pergamino que datan de antes de 1425 son casi exclusivamente autónomas ilustraciones de libros, planos arquitectónicos, dibujos para contratos, muestras para esculturas sin que entre ellos haya prácticamente bocetos, estudios, dibujos de ejercicios o apuntes.

Esa ausencia se debe a las mismas razones por las que faltan escritos provisionales de tipo literario también de la Edad Media (hojas con apuntes y ejercicios caligráficos, borradores de cartas, tratados, poesía y novelas). Al considerar que solo era digno de conservarse lo que se elaboraba con miras a un aprovechamiento a largo plazo (por ejemplo plantas de catedrales y libros de muestras), el resto no se confiaba ni al papel ni al pergamino, entonces muy caros, sino a un soporte más económico: unas tablillas preparadas con cera o polvo de hueso, que se podían reutilizar tantas veces quisieran.

luca Signorelli. Hércules y Anteo. Carboncillo sobre papel.

Así que los artistas y sus discípulos hacia entrado el S.XV en el periodo conocido como Trecento, observaron que la realización de sus obras en bocetos preliminares, permitía una mayor profundización de la obra debido a la cantidad de detalles tenidos en cuenta antes de realizar la obra de una vez sobre el medio. A estos primeros bocetos se les llamo Sinopias.

Las nuevas generaciones de artistas se adiestraban en las escuelas de aritmética y, entre juegos adquirían las destrezas para una posible actividad de diseño mediante las tareas propias que se desarrollaban en los interiores de los talleres.

Da Vinci. Tratado de Arquitectura y militar.

De este modo en los talleres los artistas comenzaron a servirse de modelos al natural y dejaron las practicas del copiado basado en estatuas clásicas. De este modo comienza una preocupación por el movimiento corporal y no se podía ignorar como las imágenes medievales, esto preocupo a los artistas renacentistas hasta finalizado el Manierismo con el más ilustre artista Miguel Angel.

Miguel Angel. Retrato de Cleopatra. 1532.
Carboncillo sobre papel.

PROLOGO DEL MODERNISMO.

UNIVERSIDAD DE PAMPLONA

FACULTAD DE ARTES Y HUMANIDADES

Historia de las Manifestaciones Artísticas IV.

Sesión lunes 12 de septiembre.


Un globo flotaba sobre la exposición Universal de París de 1867 y sentado en su barquilla se encontraba un hombre llamado Nadar, fotógrafo, aeronauta y caricaturista. En Oslo aun se puede ver el globo cautivo flotando en el rincón superior derecho de un cuadro realizado en aquel mismo año por Edouard Manet, Vista de la exposición Universal, el cual se encuentra actualmente en la capital Noruega. 

Edouard Manet. Vista de la Exposición Universal 

 El verdadero nombre de Nadar era Gaspard Félix Tournachon; era un medico que se supo ganar la vida como periodista y caricaturista; hacia 1851 este personaje con seudónimo de Nadar, ya había fotografiado a todas las más importantes personalidades de la gloria literaria y artística de Europa. Entre ellos personalidades como Federico Nietzsche, Charles Baudelaire y Edgar Allan Poe. Para su época produjo grandes adelantos en la manera de copiar la imagen sobre el medio (en su caso, sobre el papel fotográfico), posteriormente innovo en la fotografía aérea desde su peculiar globo; hacia 1850 ya contaba con un gran edificio en el Boulebar de los Capuchinos sitio a donde se reunían los artistas más influyentes de la época.

Federico Nietzsche.

 .

Charles Baudelaire.

Amigo de los artistas que más tarde se conocerían, colectivamente con el nombre de los Impresionistas. Nadar decía que este término realmente pretendía ridiculizar la aparente irregularidad y el carácter incompleto de sus instantáneas pintadas, cuya importancia reconoció en una primera exposición en la que invito a sus nuevos amigos a exponer sus trabajos. Nadar ya posei una importancia y un prestigio en la sociedad francesa de mitad del S.XIX, de tal modo que sus amigos al exponer en su local, estaban sujetos a un reconocimiento por la crítica. La idea básica del grupo era la de exponer una serie de trabajos suyos en la que se colocaba en evidencia la observación de fotografías en distintas horas del día en un mismo lugar y de ese modo trabajaban las luces y las sombras con pinceladas muy sueltas y ágiles sus amigos artistas a partir de instantáneas suyas, como si fueran casi que registros de momentos. Pero fue más el rechazo, el desprecio y la mofa que les dedicaron la prensa y el público lo que hizo a este grupo heterogéneo de artistas. El mensaje que querían transmitir era sencillo y querían ser comprendidos. El hecho de ser absolutamente incomprendidos les resulto una desgracia desconcertante.

Claude Monet. Impresión o Sol Naciente. 1872.

 . Fue el cuadro de Claude Monet Impresión, o sol Naciente, una reproducción de la luz del sol a través de la niebla del alba, lo que dio ocasión a Louis Leroy crítico de arte, a mofarse del grupo, llamando a la obra una simple impresión, a pesar de que el termino dice poca cosa, a ellos les pareció bien y decidieron quedarse con ese calificativo, el de Impresionistas.

En si estos artistas buscaban no sondear el significado de la existencia en sus tematicas, sino al contrario reflejaban la superficie llena de colorido de la vida, intentan reproducir la belleza de la apariencia superficial tal como se ve en las luces cambiantes y pretenden captar el encanto del momento, tal como en algunas obras de Goya se observa. Autorretrato en plena luz del día.

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

UNIVERSIDAD DE PAMPLONA

FACULTAD DE ARTES Y HUMANIDADES

Historia de las Manifestaciones Artísticas IV.

Sesión lunes 5 de septiembre.


En aquella sesión mencionábamos la gran importancia de este artista referente para la Historia del Arte. No solo cierra con broche de oro el elegante arte dieciochesco, sino que anticipa la libertad creativa que adoptarían los creadores románticos y anuncia las innovaciones formales del impresionismo y del expresionismo, a la vez que remite por su versatilidad a los grandes maestros de la pintura, como Velázquez y Rembrandt, y prefigura en su paleta y en la fantasía  desbordada de grandes artistas del S.XX, como Otto Dix (1892-1969), Pablo Picasso (1881-1973) o Francis Bacon (1909-1992).

Autorretrato en el taller. 1790 - 1795). Visto en una suerte de contraluz. Goya coloca al espectador del lienzo en el lugar de un hipotético espejo donde acaso se reflejaba la imagen del pintor.

La obra de Goya, gran parte de la cual se conserva en el Museo del Prado, en Madrid. La asombrosa cantidad de lienzos  de Goya que hay en este museo permite al visitante realizar un itinerario completo de su evolución pictórica  Allí se pueden constatar sus diferentes etapas en las que plasma sus temáticas y los modos de estilos al trabajarlas.

Goya fue un pintor a la moda rococó cuando la moda rococó se había extinguido en Europa. Fue un pintor ilustrado, pero refractario al neoclasicismo. Fue un pintor de vigorosa personalidad, pero en un tiempo en el que la pintura española carecía de personalidad. Fue un pintor decorativista en sus orígenes, academicista, cuando a ello le animaron sus ambiciones cortesanas, y expresionistas con un siglo de anticipación en obras como Dos viejos comiendo (hacia 1820-1823), donde representa con una extrema dureza la visión angustiosa de la vejez como suprema maldición un tema de larga tradición en la literatura española. En la línea de la más honda vena expresionista, la guía plasmada en las bocas desdentadas de dos siniestros viejos, adquiere un matiz casi diabólico.

Goya fue también considerado por algunos críticos precedente del impresionismo, por su obra que lleva el título de la (Lechera de Burdeos 1828) o del simbolismo, por el Coloso o el pánico, pero en su conjunto de grabados (Caprichos, Tauromaquia, Desastres, Disparates)  es inclasificable por los extraños dibujos que entran en sus trabajos de final de su vida.

El sueño de la razón se titula esta obra. Goya se refiria, a este mundo irracional que todos tenemos en nuestro interior.

En estas series el Maestro realizó en clave de crítica social, un brutal retrato de la España de finales del S. XVIII representando, a partir de siniestros y grotescos personajes y animales (brujas, monstruos etc.), la estulticia, la hipocresía, la ociosidad o el poder del clero.

ARTE PALEOCRISTIANO DE SIRIA Y PALESTINA. ARTE COPTO.

UNIVERSIDAD DE PAMPLONA

FACULTAD DE ARTES Y HUMANIDADES

Historia de las Manifestaciones Artísticas II

Sesión lunes 12 de septiembre.

En la pasada sesión observábamos en las diapositivas una serie de imágenes que de cierto modo colocaban en evidencia, la duda de que el arte Cristiano, que se creía nacido en los cementerios romanos, fuera de origen exclusivamente latino y que más tarde al evolucionar en Bizancio, lo hiciera siguiendo siempre el impulso iconoclasta de Occidente pero también con algunas interpretaciones de Oriente. Estas fusiones artísticas recibieron el nombre de Arte Copto en las que diversas influencias entre el arte cristiano romano de Occidente y el de Oriente se fueron observando con frecuencia. Así mismo como llegaron a Roma la liturgia y la doctrina cristiana ya formadas en Oriente, asimismo de Asia y Egipto llegó a Roma una parte de los temas y de los artistas que decoraron las catatumbas y desarrollaron el arte paleocristiano de Occidente, y fue todavía el Oriente el que más tarde formó el gran arte cristiano de la corte imperial de Bizantino.

La teoría del origen oriental del arte cristiano primitivo ha parecido confirmarse con el descubrimiento de una iglesia pintada en la ciudad de Dura Europos, junto al Eufrates, destruida por los Persas en 256. Dura Europos, situada en la frontera y siempre amenazada de una nueva destrucción, jamás se repobló; los frescos que decoran su capilla cristiana son anteriores a la mayoría de las catatumbas y más de  medio siglo anteriores a la paz de la iglesia. En Dura Europos, donde los legionarios cristianos de la guarnición utilizaban una habitación de una casa particular como templo, encontramos ya el Buen Pastor.

Pagina del Códice Purpureus, evangelio siriaco, contiene una riquísima serie iconografica. En esta , Cristo y Barrabas son presentados ante Pilatos. Cristo va vestido con el pallium, como los filósofos antiguos, lleva barba y tiene una aura, más tarde típica del arte occidental.

Los códices siriacos ilustrados en el S. V también eran característicos del Arte Copto, podríamos decir tranquilamente que ellos fueron los primeros libros o textos en los que se reunía información con respecto a parábolas y alegorías del evangelio judeo cristiano, en el que se hacían unas imágenes inspiradas en algunos pasajes del evangelio. Teniendo en cuenta que no existía la imprenta aun, necesariamente los textos eran realizados manualmente y por eso la información y de cierto modo el conocimiento fue durante esta época hasta avanzado el S. XI sectorizado.  Estos códices eran diminutos textos en los se bañaban sus páginas (papiros) en soluciones purpuras, de tal modo que los fondos de aquellas hermosas imágenes quedaran de un tono frio y característico del color.

IMPORTANTE ESTUDIANTES DE HISTORIA DE LAS MANIFESTACIONES 2.

Estimadas(o) estudiantes.
EL grupo No. 1 envió oportunamente la información de lo que va a debatir este lunes 12 de septiembre. Cometí un pequeño error y la información del grupo esta en donde dice comentarios 1, debajo del titulo de Deconstrucciòn. Jaques Derrida. Atreverse a volver.

ARTE PALEOCRISTIANO DE OCCIDENTE.

UNIVERSIDAD DE PAMPLONA SEDE CUCUTA

FACULTAD DE ARTES Y HUMANIDADES

Historia de las Manifestaciones Artísticas II.

Sesión lunes 5 de septiembre. 2011-09-11

 En la pasada sesión tuvimos la oportunidad de observar un conjunto de diapositivas que nos remontaban al inicio del estudio del Arte Paleocristiano, un grupo de pinturas halladas en catatumbas en Roma. Es un hecho que no podemos iniciar dicho estudio por la arquitectura cristiana, ya que no existe en ese momento histórico como tal, posteriormente con Constantino y sus arquitectos se inician diseños; por lo tanto las primeras comunidades no gozaban de grandes construcciones que embellecieran el horizonte.

 Las persecuciones a los primeros cristianos, la imposibilidad de construir de los mismos, han sido las principales causas de la falta de arquitectura propia en este periodo de tiempo, por lo tanto nuestra atención se dirige al mundo funerario y lo que acontecía bajo la superficie terrestre de manera clandestina. En los siglos II y III en Roma, las comunidades tenían terrenos fuera de los muros de la ciudad y podían con autorización enterrar allí sus seres queridos. Las familias paganas permitían enterrar en ellas a cristianos y sobre sus muros comienzan a plasmar imágenes alegóricas al antiguo testamento y parábolas evangélicas, muchas de ellas con finalidad netamente funeraria. Este tipo de arte de la pintura es característicamente romano, aunque existen otros centros  y ciudades con catatumbas, Roma junto con Nápoles y los centros de Sicilia forman el núcleo más denso e interesante para los estudios de historia del arte.

El Buen Pastor pintado en el cubículo de la "Velatio" de las catacumbas de Priscilia en Roma. S.III.

La pintura de las catatumbas va estrechamente unida a los primeros balbuceos de escultura funeraria en los frentes de los sarcófagos, muchas veces hallados en los mismos cementerios subterráneos, de modo que en pintura y en escultura tenemos el inicio de la iconografía paleocristiana, y será en ella donde el simbolismo se concretará y desarrollará a lo largo del siglo III, y sobre todo el IV. En el S III es muy rico el arte pictórico en las catatumbas de San Calixto, en el hipogeo de Lucina o en el de los Sacramentos con características que evidencia el tema evagelistico con un lenguaje clásico en el manejo de la composición humana, encontrado en el arte griego temprano; finalizando el S.III el arte pictórico se volca más hacía la tendencia constructiva, que parte de las modas frecuentes en el contexto social de la época, en general todo el conjunto entre flores y jardines. Este estilo llegara hasta muy finales del S. IV como lo demuestran las composiciones pictóricas datadas de la época en la catatumba de Trasone y del cementerium maior.

Para los primeros cristianos, esos estados de clandestinidad, silencio y tortura a los que estaban sometidos van a cambiar con el Edicto de Milán del 313 y con el proteccionismo del emperador y de su familia, al desarrollar una política directora de la iglesia que llevara la monarquía teocrática. De este modo Constantino deja instaurado a los monarcas posteriores de la nueva y naciente iglesia, el culto y sus posteriores construcciones arquitectónicas y lo más importante la libertad de cultos.

 

Deconstrucciòn. Jaques Derrida. Atreverse a volver.

Un aparte del documental observado en la sesión anterior
.http://youtu.be/39fSbRCzUiU